Il meglio dei cortometraggi documentari nominati all’Oscar

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La maggior parte dei quindici cortometraggi nominati all’Oscar, cinque ciascuno in Documentario, Animazione e Azione dal vivo, sono difficili da trovare da soli. Fortunatamente, quest’anno, come negli ultimi anni, sono stati riuniti per un’uscita nelle sale, che, a causa della pandemia, è aumentata dalle proiezioni di cinema virtuale. I film più degni di nota si trovano nella sezione documentari; inoltre, uno dei nominati, “A Love Song for Latasha”, di gran lunga il migliore di loro, è, o dovrebbe essere, già familiare a molti spettatori, perché è su Netflix.

“A Love Song for Latasha” ha una forma che sembra fatta apposta per il suo soggetto. Latasha Harlins, una ragazza nera di quindici anni che viveva a South Central Los Angeles, è stata uccisa a colpi di arma da fuoco, il 16 marzo 1991, da una commessa di un negozio di liquori che credeva erroneamente che stesse rubando una bottiglia di succo d’arancia. Il film, diretto da Sophia Nahli Allison, non riguarda solo la morte di Harlins; mette in primo piano la sua vita, i suoi legami con coloro che la amano e il vuoto incolmabile che la sua morte ha lasciato nelle loro vite e nella comunità in generale. È un film commemorativo e anche un’opera della memoria stessa, una storia intima che registra pubblicamente una vita privata che non sarebbe mai dovuta entrare nella storia come è accaduta. Di conseguenza, è uno schizzo rivelatore della lunga e amara storia americana di razzismo e ingiustizia e del silenzio con cui quella storia viene soppressa e, quindi, perpetuata. Il breve lasso di tempo del film è radicato nelle reminiscenze, nella voce fuori campo, di Shinese Harlins-Kilgore, cugino di Latasha, cresciuto con lei come una sorella, e Ty, la migliore amica di Latasha. Uno degli aspetti più sorprendenti dei loro ricordi è l’importanza della voce di Latasha, i loro ricordi specifici di ciò che ha detto. Shinese e Ty non parlano solo di Latasha, ma parlano anche per lei, canalizzando la voce di Latasha in sua assenza.

Allison fa affidamento su allestimenti drammatici – non esattamente rievocazioni ma, piuttosto, impressioni, immagini richiamate alla mente dai ricordi dei soggetti dell’intervista – insieme ad animazioni (di Adebukola Bodunrin) ed effetti, per creare un ritratto soggettivo di Latasha, che ha incontrato la sua migliore amica salvandola dai ragazzi che l’hanno aggredita in una piscina; che, dopo la morte di sua madre, ha lavorato duramente a scuola, progettando di diventare avvocato e attivista di comunità; che, essendo il maggiore di tre fratelli allevati dalla nonna, si assumeva una responsabilità eccezionale per il fratello e la sorella minori; e chi comprava il succo d’arancia quel giorno in cui gli altri della famiglia non volevano andare. Anche dopo essere stato avvertito che l’impiegato del negozio aveva puntato una pistola su Ty, Latasha non era disposta a credere al peggio di quell’impiegato.

Il ritratto di Latasha del regista è anche un ritratto di Shinese e di Ty – della famiglia e della comunità – e, nonostante la sua brevità, racchiude un grande potere psicologico nella sua brulicante visione collettiva. È un mondo in diciannove minuti. Le carte del titolo, come le note di chiusura del film, si riferiscono all’esito pubblico dell’omicidio, affermando che all’impiegato, Soon Ja-du, è stata concessa solo una sospensione della pena insieme alla libertà vigilata e al servizio alla comunità, e che “La morte di Latasha è diventata uno dei principali catalizzatori per le rivolte di Los Angeles del 1992 “. Il film non è un rapporto giudiziario, ma è comunque intensamente politico, in modo originale: mostra l’imposizione della storia e della politica, le pressioni incessanti dell’opinione pubblica, sulla vita privata dei neri americani. Nel suo film, Allison offre una resistenza cinematografica: nel reclamare vite private dal silenzio, afferma e stabilisce il loro primato storico.

“A Concerto Is a Conversation” è anche un film incentrato su Los Angeles sulla storia pubblica e privata delle vite dei neri. È un doppio ritratto del compositore Kris Bowers (che ha co-diretto il film, con Ben Proudfoot) e del nonno di Bowers Horace Bowers, Sr., che, al momento delle riprese, aveva novantuno anni. (Il film è disponibile su New York Volte’ site.) In occasione della prima del concerto per pianoforte del giovane, si preparano ad assistere al concerto insieme e l’evento offre un trampolino di lancio per la discussione faccia a faccia tra i due uomini. (Nei loro primi piani incredibilmente diretti, stabiliscono un contatto visivo con la telecamera come se fossero l’uno con l’altro.) Kris parla in modo perspicace della sua arte, ma il potere del film nasce dalla discussione di Horace sui suoi primi anni di vita. Horace è nato in una piccola città della Florida, dove, da bambino, aveva una visione della soggezione di suo padre alle umiliazioni di Jim Crow, e ha giurato di andarsene il prima possibile; da adolescente, ha fatto l’autostop verso nord e poi è andato a Los Angeles. Una volta lì, ha usato un astuto stratagemma per trovare un lavoro in una donna delle pulizie; due anni dopo, all’età di vent’anni, comprò il negozio, ma non riuscì ancora a ottenere un prestito per piccole imprese da una banca, la ragione non dichiarata, come comprese, era che era nero. (Horace dice, del razzismo che ha subito, “Nel Sud, te lo dicono. A Los Angeles, te lo mostrano.”) Invece, ha fatto domanda per posta, e il racconto continua da lì. Il film è del tutto privo di analisi, e le sue connessioni tra le lotte e la perseveranza dell’uomo anziano con i successi di suo nipote sono lasciate senza considerazione, ma ascoltare la conversazione innescata dal concerto è comunque ben la pena: un piccolo frammento di documentario storico-orale che significa un film secolo di voci inascoltate.

C’è un altro film commemorativo nel lotto, uno dalla Francia incentrato sulla storia di una vita crudelmente e ingiustamente troncata: “Colette”, che non ha nulla a che fare con lo scrittore. Il soggetto del titolo è Colette Marin Catherine, che, al momento delle riprese, era novantenne. Suo fratello maggiore, Jean-Pierre Catherine, era, all’età di diciassette anni, un combattente della Resistenza durante l’occupazione nazista; fu arrestato e deportato nel campo di lavoro forzato tedesco Dora, a Nordhausen, in Germania, nel febbraio 1945, e lì morì sei settimane dopo. La premessa del film ha a che fare con un progetto accademico per scrivere biografie dei novemila francesi che erano stati deportati in questo campo. Uno degli studiosi, una giovane studentessa di storia di nome Lucie Fouble, sta scrivendo la voce su Jean-Pierre Catherine e sta per trascorrere una settimana con Colette, per intervistarla. Colette, che prestò servizio anche nella Resistenza, si era sempre rifiutata di recarsi in Germania e di visitare il sito del campo di concentramento, che è stato conservato come monumento commemorativo. Ora lei e Lucie viaggiano lì insieme e il loro viaggio è il centro pratico del film; il suo centro emotivo è il confronto di Colette con i suoi ricordi angoscianti.

Il film, diretto da Anthony Giacchino, è spaventosamente convenzionale; il regista si filtra dalla storia, dall’elaborata pianificazione che richiedeva e dalla complicità empatica da cui dipende. Nondimeno, la stessa Colette offre alcuni spunti acuti sull’organizzazione clandestina e sulla guerriglia in cui lei e la sua famiglia si sono impegnate durante la seconda guerra mondiale. Quando Lucie le chiede come è entrata nella Resistenza, la risposta di una frase di Colette è un romanzo in forma di capsule: “Non devi dire ‘entrare nella Resistenza’, come se stessi entrando in una banca e dicendo: ‘Ciao, voglio apri un conto Resistance. ‘ Non funziona così. “

Ciò che è più potente in “Colette” è la rabbia per tutta la vita che accompagna il dolore del personaggio principale e, di conseguenza, il suo rapporto ambivalente con la burocrazia europea dei memoriali in tempo di guerra. Lucie discute il suo progetto accademico e il suo lavoro come docente in un centro commemorativo per deportati, in termini di devozione razionale a ricordare i misfatti della storia per non ripeterli. Colette affronta il ricordo dell’ingiustizia con una passione flagellante che rischia di auto-consumarsi. La terrificante sublimità della sua furia è visibile durante quel viaggio in Germania, dove l’ex sindaco di Nordhausen organizza un incontro con lei e organizza una cena in suo onore. In un ristorante, alla presenza di una dozzina di ospiti onorati, fa un discorso sul riconoscimento da parte della Germania della sua vergogna e colpa, ma Colette lo interrompe rumorosamente, dapprima con il pretesto che non sta bene, anche se è subito chiaro Il malessere è morale, del disgusto. Durante il viaggio in macchina verso il campo di concentramento preservato, Colette chiede persino a Lucie perché si sta preoccupando dei “dettagli morbosi”: “A che serve tutta questa documentazione?” Lucie risponde che sta cercando di trasmettere la storia di Jean-Pierre in modo che non venga dimenticata. Il film a distanza di braccio, nella sua osservazione di Colette alle prese con un’esplosione di emozioni di una vita sotto pressione, replica la dedizione impersonale del memorialismo ufficiale.

“Do Not Split” documenta le proteste a Hong Kong e le crescenti violazioni da parte del governo cinese delle libertà civili.Fotografia per gentile concessione del Sundance Institute

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