Momenti salienti di un Sundance Film Festival tutto virtuale

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Quest’anno, il Sundance Film Festival, che si tiene solitamente a Park City, nello Utah, si svolge online. È la vetrina principale per il cinema indipendente americano in senso commerciale; è qui che la nozione stessa di cinema indipendente ha preso il suo marchio come lega minore di Hollywood. Negli ultimi anni, il festival ha compiuto uno sforzo significativo per presentare film di una gamma artistica più ampia, per evidenziare l’originalità del cinema indipendente insieme alla sua commerciabilità. Di conseguenza, alcuni dei file film più importanti degli ultimi anni (come “Madeline di Madeline” e “Shirkers“) Ha avuto le prime lì. L’edizione di quest’anno non è diversa; le sue selezioni includono alcuni film di sorprendente audacia e originalità. Ecco tre dei migliori.

“Nello stesso respiro”

Questo documentario sul pandemia di coronavirus, diretto da Nanfu Wang, è un’opera di aspra analisi politica e passione personale, e la storia della sua realizzazione è inseparabile dalle sue rivelazioni investigative. Wang, nato e cresciuto in Cina, vive da nove anni negli Stati Uniti. Stava visitando sua madre nella sua città natale, a duecento miglia da Wuhan, all’inizio del 2020, quando ha notato notizie di otto professionisti medici che sono stati arrestati per “aver diffuso voci” su una malattia respiratoria. All’epoca non pensava molto al rapporto. Il giorno in cui Wang è tornato negli Stati Uniti, il 23 gennaio, Wuhan è stata chiusa. (Suo figlio era ancora in Cina, con sua nonna; il marito di Wang è riuscito ad andare in Cina e portarlo a casa.) Allo stesso tempo, Wang si rese conto della radicale disconnessione tra ciò che stava dicendo il governo cinese e ciò che stava realmente accadendo. Sua madre l’ha informata che c’erano casi di coronavirus nella loro città, ma che all’ospedale era stato ordinato di mantenerlo segreto. Wang ha visto la propaganda del Partito Comunista alla televisione cinese, mentre, sui social media, COVID-19 pazienti stavano disperatamente postando immagini delle loro carte d’identità e radiografie del torace nella speranza di ricevere cure. Il suo progetto cinematografico, dice, è nato da quella disconnessione. (Ha anche passato la storia a un giornale americano, che non l’ha approfondita.)

Wang è rimasto negli Stati Uniti e ha incaricato operatori di telecamere in Cina di registrare ciò che accadeva negli ospedali, per le strade e, poi, nelle pompe funebri e nei cimiteri. (Gli operatori lo facevano, spesso in segreto e con grande rischio per se stessi.) Da tempo consapevoli dell’inadeguatezza del sistema sanitario cinese – che, dice, ha provocato la morte di suo padre all’età di trentatré anni, quando era una bambina —Wang era motivato a documentare le lotte non segnalate delle persone a Wuhan. Osserva e riferisce, con dettagli meticolosi e esasperanti, il divario tra i rapporti ufficiali e le realtà sul campo – e attribuisce la stessa diffusione del virus ai media cinesi fortemente censurati e controllati centralmente. Contrasta le folle di Capodanno a Wuhan, ampiamente trasmesse e molto affollate, ora facilmente distinguibili come un evento di superdiffusione, con la persecuzione dei professionisti medici che a dicembre avevano avvertito di un’epidemia di malattia.

Anche se il governo cinese dichiarava il suo successo nel contenere l’epidemia, gli ospedali locali sono stati sopraffatti. Il film mostra che le persone stavano letteralmente morendo per le strade, e rapporti clandestini da pompe funebri e cimiteri suggeriscono che il bilancio delle vittime era forse molto più alto di quanto ufficialmente riportato. Come afferma Wang, il governo cinese ha celebrato come stava affrontando le avversità di fronte al virus, ma la fonte sottostante delle avversità della Cina era il governo stesso, il risultato della sua soppressione di parole e informazioni nell’unico interesse di preservare il reputazione del partito. Wang, nel frattempo, non fu meno sconvolta da ciò che vide accadere negli Stati Uniti: una politicizzazione simile della pandemia e uno sforzo simile per sopprimere le informazioni, che portarono a sofferenze e morte inutili. (Il film mostra anche l’effetto della paragonabile cattiva gestione politica delle due nazioni nell’angoscia degli operatori sanitari sia qui che in Cina.)

“In the Same Breath” è un fervente lavoro di reportistica, pieno di rivelazioni scioccanti sia a livello di primo piano, a livello esperienziale che a livello di statistiche e tendenze generali. Wang riconosce che la sua esperienza immediata ha un significato storico e che sta riflettendo su quella storia in tempo reale. La sua voce fuori campo intreccia le sue osservazioni e riflessioni, la storia familiare e le attività presenti; la sua raccolta di filmati – dalle battute a pappagallo della televisione di stato cinese all’interno degli ospedali, dove alcuni pazienti giacevano moribondi e altri furono respinti – è essa stessa un record furioso della catastrofe in corso. La rabbia di Wang per la risposta dell’amministrazione Trump alla pandemia è alimentata, in parte, dalla sua comprensione del valore di propaganda che offre al governo cinese e ad altri autoritari in tutto il mondo: le grida di “libertà” da parte di SI– negazionisti della pandemia, teorici della cospirazione e profittatori offuscano il concetto stesso e danno conforto a coloro che lo ripudiano. Tuttavia, secondo Wang, i fallimenti americani non appaiono semplicemente come un disastro nelle pubbliche relazioni, ma come un tradimento dei valori fondamentali; la sua visione della democrazia, lungi dall’essere meramente procedurale, è radicata nella responsabilità e nella reattività ai bisogni dei cittadini. Ci sono state e ci saranno molte dissezioni sull’assalto di Trump alla democrazia e sulla sua solipsistica cattiva gestione della pandemia; L’intuizione di Wang ci mostra, attraverso la sua osservazione compassionevole e indignata dell’esperienza della Cina, che i due sono tutt’uno.

“All Light, Everywhere” è incentrato sulla politica intrinseca della creazione di immagini e accompagna gli spettatori in un tour guidato di un’azienda che produce taser della polizia e telecamere per il corpo.Fotografia per gentile concessione del Sundance Institute

“Tutta la luce, ovunque”

La principale ispirazione di Theo Anthony come regista è epistemologica. Il suo episodio per la serie “30 for 30 Shorts” di ESPN, “Soggetto a revisione,“Ha esaminato le implicazioni della tecnologia video nell’arbitro del tennis. La sua caratteristica “Rat FilmHa scoperto la storia dietro l’infestazione di roditori di Baltimora, rivelando la politica sottostante di eventi attuali apparentemente apolitici. “All Light, Everywhere” è anche un documentario associativo incentrato sulla politica intrinseca della creazione di immagini. Trova la sua linea attraverso un tour guidato di Axon Enterprise, una società con sede in Arizona che produce il Taser e la telecamera per il corpo più diffusa per la polizia; Axon possiede e gestisce anche il server che memorizza i filmati della body-cam, il software che li tiene traccia e i programmi di intelligenza artificiale che vengono sviluppati per estrarre informazioni dal server. Anthony si avvicina alle funzioni di questi strumenti – che riassume come “arma, occhio, archivio, interpretazione, automazione” – come trampolino di lancio per una serie di meditazioni simili a collage su immagini e dati, creazione di immagini e creatori di immagini ‘ipotesi e, in definitiva, la creazione di immagini e la sua serie di risultati tacitamente predeterminati. Il suo soggetto sono le elisioni e le soppressioni inerenti alla produzione di immagini (sia fotografiche che cinematografiche) e, in definitiva, un punto cieco politico collettivo: i preconcetti razzisti alla base delle procedure apparentemente tecniche di polizia.

Anthony fa risalire questi temi alla nascita della tecnologia moderna nel diciannovesimo secolo. Con un uso affascinante di filmati e immagini d’archivio, delinea la strana connessione tra l’astronomia, la nascita del cinema e la tecnologia della guerra; lo sviluppo di foto segnaletiche e di una nuova scienza dei dati per utilizzarle; lo sviluppo di fotografie composite e il suo rapporto con la pseudoscienza razzista dell’eugenetica. Altre parti del film riguardano l’addestramento degli agenti di polizia di Baltimora all’uso delle telecamere del corpo; udienze pubbliche, nella comunità nera di Baltimora, sul dispiegamento della sorveglianza eye-in-the-sky e sugli sforzi per venderla al dipartimento di polizia di Baltimora e per ottenere il consenso della comunità (l’analisi di Anthony rivela brillantemente la discriminazione razziale che è inerente al dispositivo e suo utilizzo); e persino il precursore di tale tecnologia nel dispiegamento di piccioni viaggiatori con telecamere, più di un secolo fa, nello spionaggio militare.

Come Wang, Anthony è un documentarista personale. All’apertura del film, gira la telecamera su se stesso, esaminando la propria retina mentre definisce il soggetto del film: il punto cieco, le esclusioni insite in tutte le immagini. Fa parte a intermittenza dell’azione sullo schermo durante tutto il corso, sia che diriga l’ufficiale delle pubbliche relazioni di Axon in una sequenza introduttiva o che venga filmato sul posto in una mostra all’aperto del collegamento Taser-telecamera. Per tutto il film, Anthony apostrofa il filmato con due livelli di commento, una voce fuori campo (pronunciata da Keaver Brenai) e una serie di sottotitoli sovrapposti al filmato. Nonostante tutta la sua focalizzazione analitica e salti nelle astrazioni epistemologiche, “All Light, Everywhere” è un film di fascinazioni individuali e immediate. Con la sua passione per vedere, notare, ascoltare, conversare, ricercare e scoprire, Anthony conserva un senso di meraviglia e stupore spontaneo; ovviamente si compiace di intervistare e osservare le persone e di ascoltare le loro voci. La raffinatezza teorica del film rimane intensamente personale e la sua energia empatica deriva dalla spinta a collegare le idee a portata di mano con le vite e le preoccupazioni delle persone che Anthony vede, ma senza la pretesa di essere un salvatore o un benefattore. Un breve epilogo, in una classe, suggerisce la sua insistenza nel mettere in discussione anche la propria pratica.

In parte storia di fantasmi, in parte pezzo di memoria, “I Was a Simple Man” crea un cinema meticolosamente fisico e selvaggiamente metafisico.Fotografia per gentile concessione del Sundance Institute

“Ero un uomo semplice”

A Jiayang Fan’s Profilo di Constance Wu in Il New Yorker del 2019, l’attrice è al lavoro in “I Was a Simple Man”, diretto da Christopher Makoto Yogi, il cui primo lungometraggio, “Agosto da Akiko, “Presentato in anteprima al Maryland Film Festival nel 2018, è uno dei tesori recenti del cinema indipendente americano. Come quel film precedente, “I Was a Simple Man” è ambientato alle Hawaii, e, in particolare, nella comunità giapponese lì, in cui Yogi è cresciuto, e in un regno di splendore naturale che è stato in gran parte spogliato dall’urbanizzazione e dal turismo. , proprio come le etnie complesse, polifoniche e poliglotte della regione sono state stratificate sotto un’identità americana, anglofona. “I Was a Simple Man” è allo stesso modo un film intimo e spiritualmente illuminato, ma allo stesso tempo immaginato e drammatizzato su una scala più grande; è più profondamente infuso e infestato dalla storia, più ampiamente diagnostico delle recenti scoperte, più esplicito su questioni di vita e morte e su ciò che le lega insieme. Soprattutto, Yogi crea dispositivi cinematografici audacemente originali e meravigliosamente inventivi per esemplificare, con toni modesti, la sua grande visione.

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