“Wojnarowicz”, recensione: una visione tragica e perspicace dell’artista e del suo tempo

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La fervida creatività di David Wojnarowicz era inseparabile dai suoi impulsi auto-documentanti.Fotografia di David Wojnarowicz e Tom Warren / Per gentile concessione dell’Estate di David Wojnarowicz e PPOW

Il ritratto di un artista è una cornice fruttuosa per i film di finzione ma rischiosa per i documentari. Troppo spesso, il sottogenere si trasforma in una facile celebrazione, presentata utilizzando un formato prefabbricato di clip e teste parlanti. Il regista Chris McKim non si è imbattuto in tali pericoli nel suo documentario “Wojnarowicz: F ** k You F * ggot F ** ker”. Come molti dei migliori film di questo tipo, questo (che si apre venerdì sul cinema virtuale di Film Forum), sull’artista e attivista David Wojnarowicz, fa uso di una copiosa serie di documenti del soggetto: il suo “archivio di giornali, cassette, fotografie e film in super 8 “, spiega un titolo. Il risultato è un ritratto biografico dell’artista e del suo tempo meraviglioso, intimo e spesso oltraggioso. Inoltre, guardando in dettaglio l’arte di Wojnarowicz, McKim aggiunge un’altra dimensione di esplorazione storica, perché l’auto-documentazione di Wojnarowicz è essa stessa un elemento integrante del suo lavoro.

La forma complessiva del film è familiare. McKim fornisce una breve introduzione ai temi principali del lavoro e dell’attivismo di Wojnarowicz, seguita da un racconto cronologico della sua vita. Nato nel 1954, Wojnarowicz era il più giovane di tre figli. Ha sopportato gli orrori a casa di un padre violento e violento: in uno dei suoi nastri audio, descrive di essere stato trascinato giù per i gradini e colpito con catene e due a quattro, e sottoposto a un regime di disciplina che sopprimeva il gioco o l’esplorazione. I suoi genitori si separarono; quando aveva undici anni andò a vivere con sua madre in un appartamento a Hell’s Kitchen, ma lei era, dice, emotivamente instabile. È scappato di casa ed è diventato un auto-definito imbroglione, dentro e intorno a Times Square. Dice che il suo tempo per le strade lo ha quasi ucciso, e che costantemente “si trova sulla mia spalla” – e che ha iniziato a fare arte per dare voce a queste esperienze primariamente traumatiche.

Fin dall’inizio, il suo lavoro ha mostrato un senso della forma potente e originale; la sua voce artistica è tanto personale nel metodo quanto nella sostanza. La sua fervida creatività era inseparabile dai suoi impulsi documentaristici e auto-documentanti, la sua immaginazione inseparabile dal suo contatto con il reale. Ha indossato una maschera stampata con il volto del poeta Arthur Rimbaud e si è fatto filmare e fotografare a Times Square, in un magazzino, nelle stazioni della metropolitana. Ha scattato foto di se stesso, anche nelle cabine fotografiche. Fece l’autostop e cavalcò merci attraverso il paese con un amico, e fece registrazioni di audiocassette (le chiamava “diari su nastro”), disegnava, inviava lettere (una è chiamata “Trail O Gram”). Nel 1978, ha trascorso nove mesi a Parigi con sua sorella, Pat, e ha scritto un libro di monologhi, “Sounds in the Distance”, che ha ricordato dai suoi viaggi. A New York, ha realizzato registrazioni audio dei suoni delle strade. Quando si è esibito con la sua band, i 3 Teens Kill 4, ha tenuto il registratore a cassette rivolto verso il microfono per rendere quei documenti sonori di strada una parte della musica. In un’intervista con McKim, un membro della band definisce queste esibizioni “un film, quasi, per le tue orecchie”. Nel documentare la sua vita, Wojnarowicz stava affermando la sua stessa identità contro un mondo che, con violenza, moralismo, disprezzo e silenzio, faceva tutto il possibile per cancellarlo.

Wojnarowicz registrava le telefonate e conservava quello che sembrava i nastri dei messaggi della segreteria telefonica. I più vividi tra loro presentano la voce del fotografo Peter Hujar, il suo amante e mentore artistico. Hujar, che Wojnarowicz ha incontrato alla fine del 1980, è stato l’ancora personale della sua vita, anche dopo che la loro relazione è cambiata, e Wojnarowicz è stato coinvolto sentimentalmente con un altro uomo, l’assistente sociale Tom Rauffenbart. (Wojnarowicz ha detto a Rauffenbart che le sue tre priorità più alte erano, in ordine, “Peter, la mia arte e tu”; Fran Lebowitz, che conosceva sia Wojnarowicz che Hujar, dice che pensava che Wojnarowicz fosse diventato “come suo figlio”.) Hujar riconobbe il talento artistico di Wojnarowicz anche quando era nelle sue fasi iniziali e lo incoraggiò a promuoverlo – ea preservarlo in vista di un futuro di cui Hujar era fiducioso.

Il senso dell’arte di Wojnarowicz era inseparabile dal suo attivismo e dal suo senso di esclusione. La sua risposta è stata provocatoria e creativa, e la sua rabbia era concentrata contro il mondo dell’arte bianco, ricco e viziato. Ha realizzato stampini per le strade del Greenwich Village e ha realizzato quelle che ha definito “installazioni d’azione, installazioni non invitate”. Nel 1981, con la sua compagna di band Julie Hair, raccolse ossa di vacca insanguinate dal distretto di confezionamento della carne (che all’epoca era letteralmente quello) e le mise sulle scale, con i suoi stampini, alla Leo Castelli Gallery. (Sei mesi dopo, è stato invitato a partecipare a una mostra in una delle prime nuove gallerie del Lower East Side.) Un tema ricorrente del lavoro di Wojnarowicz è il suo uso di materiali di scarto, per necessità economiche. Allo stesso tempo, ha esteso il suo attivismo alla costruzione di una comunità radicale: ha trovato un magazzino abbandonato simile a un hangar sul lungomare e lo ha trasformato in uno spazio artistico selvaggio e collettivo, finché la polizia non se ne accorse e lo sigillò. Il suo lavoro è stato scoperto dal critico Grace Glueck, del Voltee due dei suoi dipinti furono scelti per la Biennale di Whitney nel 1985.

Gran parte del lavoro di Wojnarowicz includeva rappresentazioni esplicite del sesso gay e, di conseguenza, la sua arte e la sua vita divennero punti di infiammabilità della politica nazionale. (Il sottotitolo del film proviene da uno scarabocchio su uno scarabocchio omofobo che Wojnarowicz ha raccolto per strada, inserito in uno dei suoi dipinti e usato per il titolo.) A Hujar è stato diagnosticato un Aids, e morì di malattia nel 1987, all’età di cinquantatré anni. Un anno dopo, Wojnarowicz è stato diagnosticato Aids-relativo complesso e, come ha detto, “Non mi ci è voluto molto per rendermi conto di aver contratto anche una società malata”. È diventato un attivista con AGISCI, ed era ancora più profondamente consapevole che la malattia stessa era intrinsecamente politica. Come ha detto, “froci, dighe e drogati” erano considerati “sacrificabili”. Il governo federale e locale non ha riconosciuto la portata della crisi e le istituzioni religiose hanno continuato a inveire contro l’immoralità dell’omosessualità, per incolpare le vittime della malattia; la Chiesa cattolica, in particolare, divenne un centro di protesta e dell’arte di Wojnarowicz.

Wojnarowicz ha continuato a fare un lavoro sessualmente esplicito – che ha anche sfidato il fanatismo politico e religioso che lui e altre persone queer hanno sopportato, e che li stava letteralmente uccidendo – ed è diventato un obiettivo della macchina oltraggiosa di destra, al Congresso, nell’amministrazione Bush , e nelle chiese e nei loro affiliati politici. Il lavoro e il discorso di Wojnarowicz hanno una feroce assertività rivoluzionaria, un salto fantasioso nella fantasia radicale. Se, a suo tempo, la sua arte è stata vittima di pressioni mediatizzate e politicizzate, oggi è quasi inimmaginabile, proprio a causa dei decenni di successo che media, politici e leader religiosi di destra hanno avuto nel svergognare e domare la rabbia e la furia progressiste. Quando è stato denunciato pubblicamente, Wojnarowicz ha respinto, in modo conflittuale ed efficace – anche in tribunale – pur continuando a creare opere d’arte, liriche e grandiose, furiose e intime, fino a poco prima della sua morte, nel 1992.

La visione di McKim della vita e del lavoro di Wojnarowicz funge anche da documentario dell’epoca; il regista riprende la passione di Wojnarowicz per la documentazione e la amplifica cinematograficamente. Una delle maledizioni del documentario storico è l’inevitabile affidamento sui filmati d’archivio, che di solito evocano il passato con una sfortunata vaghezza. McKim evita quella trappola con una furia d’archivio tutta sua. Il suo uso copioso di filmati e riprese video beneficia del suo acuto senso dei dettagli evocativi e di una visione vigorosa e non romantica. Un’era di New York City che è spesso considerata, con nostalgia fuori luogo, come un periodo di possibilità illimitate è definita, nel film di McKim, dalle lotte delle popolazioni emarginate per sopravvivere tra crudeltà, ostilità e indifferenza e per forzare l’apertura un posto per se stessi nella vita pubblica. L’arte e l’attivismo di Wojnarowicz sono elementi cruciali della lotta; mentre registrava i suoi tempi, li trasformava. Il documentario dà vita all’arte di Wojnarowicz con animazioni e grafiche analitiche che illuminano i dettagli delle sue composizioni e svelano le storie personali e pubbliche che contengono. Con il suo montaggio brulicante e turbolento, “Wojnarowicz: F ** k You F * ggot F ** ker” segue il percorso dell’artista nel rivelare la storia e la politica, l’attività pubblica e l’esperienza intima allo stesso modo, come l’essenza stessa della vita interiore.

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